Martes 24 de octubre 21.30Hs. Teatro Mitre
Dirección musical: Freddy Varela Montero
Director invitado: Demir Lulja
Entradas, desde $ 200 - Sobrantes de abonos en Sede de La Madrid 250 –
Martes a Jueves de 18.30 a 20.30Hs.
"CAMERATA BARILOCHE"
50 años de compromiso con la música y la excelencia
CAMERATA BARILOCHE
Con músicos seleccionados entre los mejores de la Argentina es el conjunto de música de cámara del país que alcanzómayor prestigio internacional.
En el año 1950 Linda y Máximo Rautenstrauch organizaron en Bariloche el primer Camping Musical de la ciudad. Las actividades fueron creciendo y congregando a becarios de todo el país para estudiar y realizar conciertos. En 1966 una decisión conjunta de la Fundación Bariloche, el Camping Musical de Bariloche y la Academia Interamericana de Música de Cámara dio nacimiento a la Camerata Bariloche, bajo la dirección de Alberto Lysy. En 1967 se concretó su debut y pocos días después se presentó en Buenos Aires. Ya desde entonces definía su perfil incluyendo en su repertorio los grandes compositores de la música universal y argentinos de diferentes épocas.
Realizó numerosas sus giras por la Argentina . Luego comenzaron las giras internacionales por los más variados escenarios de los países vecinos, Estados Unidos, Italia,Francia, Austria y Suiza. Giras posteriores llevaron a la Camerata a toda Larinoamérica, Estados Unidos, Europa y Oriente.
Ha representado a la Argentina en las Olimpiadas Culturales de México y de Munich, en la Expo ’70 de Osaka (Japón), en los Festivales Internacionales de Salzburgo (Austria), Taormina Città di Castello, Cervo y Alassia (Italia), Montreux y Gstaad-Menuhin (Suiza), el New World Festival of the Arts de Miami (Estados Unidos), el Festival de Otoño de Madrid (España) y en el Centenario del Carnegie Hall (Estados Unidos).
Grandes solistas se han presentado con la Camerata. Entre ellos, Martha Argerich, Yehudi Menuhin, Jean Pierre Rampal, Mstislav Rostropovich, Eduardo Falu, Gerardo Gandini, Astor Piazzolla, Jaime Torres y muchos más.
A su Primer Director le sucedieron Rubén González, Elías Khayat y Fernando Hasaj. Desde 2011 su director musical es Freddy Varela.
Entre sus numerosas distinciones, se destacan el "Premio Konex de Platino" al mejor conjunto de cámara en la historia de la música en Argentina en 1989 y nuevamente en 2009 como el mejor de la última década.
INTEGRANTES
DirectorMusical: Freddy Varela Montero
Violines
Demir Lulja, Concertino
Elías Gurevich, Concertino adjunto
David Bellisomi
Serdar Geldymuradov
Grace Medina, Solista
Daniel Robuschi
Marta Roca Alonso
Pablo Sangiorgio
Violas
Marcela Magin, Solista
Silvina Alvarez
Gabriel Falconi
Violoncello
Gloria Pankaeva, Solista
André Mouroux
Contrabajo
Oscar Carnero, Solista
Asistente
Sebastián Tarragona
MOZARTEUM FILIAL JUJUY
TRIGÉSIMA SEXTA TEMPORADA 2017
CAMERATA BARILOCHE
Director musical: Freddy Varela Montero
Director invitado: Demir Lulja
PROGRAMA
EDWARD ELGAR (1857-1934)
Serenata para cuerdas en Mi menor, Op. 20
Allegro piacevole
Larghetto
Allegretto
JOHANN S. BACH (1685-1750)
Concierto en Re menor para dos violines, cuerdas y continuo, BWV 1043
Vivace
Largo ma non tanto
Allegro
Solistas: Demir Lulja, violín
Marta Roca, violín
- Intervalo-
GIOACHINO ROSSINI (1792-1868)
Sonata para orquesta de cuerdas nº3, en Do mayor
Allegro
Andante
Moderato
EDVARD GRIEG (1843-1907)
Suite de los tiempos de Holberg, Op. 40
Preludio
Sarabande
Gavotte-Musette
Air
Rigaudon
ÁSTOR PIAZZOLLA (1921-1992)
Adiós Nonino
Calambre
Libertango
NOTAS PARA EL PROGRAMA
EDWARD ELGAR (1857-1934)Serenata para cuerdas en Mi menor, Op. 20
Elgar fue un compositor inglés cuyas obras forman parte del repertorio clásico de los conciertos tanto en su país como internacionlmente. Autodidacta recibió las primeras lecciones en su casa ya que el padre era organista. Sus obras llegaron a ser populares en Gran Bretaña y en el extranjero
La “Serenata para cuerdas op.20 en mi menor” fue publicada en el año 1892 cuando Elgar tenía 35 años. En realidad es considerada obra de su juventud ya que toma temas de una suite escrita cuando era joven. Según otros comentaristas en una Canción de Primavera escrita sobre tres bocetos (Canción de primavera, Elegía y Finale) que se perdieron y que habían sido compuestos para la Unión Musical de Worcestershire. Estos bocetos se ajustan a los tres movimientos de la serenata.
Una de las obras favoritas de Elgar, fue dedicada a su mujer en el año 1892 con motivo de un aniversario de boda.
La obra tal como se la escucha hoy consta de tres movimientos:
Allegro piacevole: el ritmo inquieto de las violas caracteriza y le da unidad a este movimiento acompañando cadenciosas melodías
Larghetto: en una extensa sección se desarrolla un bello tema elegíaco, a veces triste, a veces optimista. Es uno de los movimientos lentos característicos del autor.
Allegretto: El final de la obra se caracteriza por su ligereza. Tras expresar nuevas ideas pronto vuelve el motivo inicial de la pieza
Dice el comentarista R. E. Ferreiro: “La mezcla entre temas inocentes y juveniles con la madurez alcanzada en este periodo, da como resultado una pieza de extremada naturalidad y perfección, cualidades dicho sea de paso característicamente inglesas. Debido a su extraordinaria coherencia entre movimientos y su notable lirismo, la pieza ha conseguido llegar hasta las salas de conciertos modernas formando parte del repertorio habitual.”
JOHANN S. BACH (1685-1750) : Concierto en Re menor para dos violines, cuerdas y continuo, BWV 1043
Durante el siglo XVII nuevas formas musicales se abren paso, convirtiéndose el concierto en el género más importante de la época. En ese entonces el "concerto grosso" y el concierto solista se disputaban la primacía. Sin embargo, fue éste último el que alcanzó mayor popularidad y acabó imponiéndose, especialmente durante el Romanticismo.
Antes de acabar el siglo Bach entra en escena. Aunque las mayores innovaciones ya habían tenido lugar, con sus conciertos Bach se proyecta hacia el futuro introduciendo mayores audacias y libertades. Bach cultivó el "concerto grosso", pero también el concierto para solista o solistas y orquesta con toda la riqueza y brillantez que aplicó en otros terrenos de la música. Son sobre todo notables sus conciertos para violín y orquesta , de los que se conservan dos y su concierto para dos violines y orquestas, sobre el modelo vivaldiano en la estructura y el diálogo entre la masa orquestal y el o los solistas.
El Concierto en re menor para dos violines, BWV 1043 consta de tres movimientos.Ambos instrtumentos solistas están colocados en un plazo de absoluta igualdad y el diálogo entre los violines es de una soltura y de una perfección admirables. Sin dudas es una de las páginas más bellas que Bach haya escrito.
El primer movimiento Allegro se abre como una fuga. Cuando entran los dos violines pareciera que se inicara una segunda fuga. El entrelazamiento de las líneas melódicas es intrincado e ingenioso. El diálogo entre los violines es admirable.
El segundo movimiento Largo es un movimiento lento que sugiere también una fuga. Sus líneas prolongadas enlazadas en los dos violines es la esencia del lirismo.Este movimiento es una de las creaciones más conocidas de Bach . Aquí los otros instrumentos dejan el protagonismo a los solistas.
El tercer movimiento es un Allegro vigoroso, casi polifónico. Los violines se imitan. Se destaca en este movimiento los pasajes en que los dos violines tocan en forma pareja acordes repetidos acompañando la orquesta.
GIOACHINO ROSSINI (1792-1868):Sonata para orquesta de cuerdas nº3, en Do mayor
Compositor a la vez innovador y tradicionalista, bohemio y burgués fue un hombre de su tiempo, músico precoz quien desde sus tempranos años tuvo acceso a partituras de Haydn y Mozart de donde derivó parte de su peculiar estilo. Los críticos han visto en su obra claros indicios de Mozart.
Esto se evidencia en sus primeras obras más importantes como las Seis Sonatas compuestas en 1804 en Ravena cuando tenía sólo doce años. En ese año recibió el encargo de un comerciante de Conventello, cerca de Ravena, llamado Agostino Triossi , para que compusiera unas piezas instrumentales. El resultado fueron esta Sonatas, cuya primera audición tuvo lugar pocos días después de escribirlas, con Triossi al contrabajo, su primo Morini como primer violín, el hermano de Triossi al cello y el mismo Rossini-que narra el episodio- como segundo violín. Pensadas originalmente para cuatro instrumentos de cuerda (dos violines, violoncelo y contrabajo), se han divulgado en versiones para orquesta de cuerda. En realidad, Rossini, aunque se destacó como creador de óperas y composiciones vocales, fue asimismo un destacado compositor de música instrumental.
Todas las sonatas tienen el mismo y clásico formato rápido-lento-rápido (allegro-andante-allegro) y la influencia de Haydn y Mozart parece evidente. Pero no menos que la vocación operística del joven Rossini, también patente en la Sonata No. 3 en Do mayor que sigue ahora, en la que parece que en cualquier momento van a ponerse a cantar Fígaro, Fiordiligi, Leporello o Zerlina.
EDVARD GRIEG (1843-1907):Suite de los tiempos de Holberg, Op. 40
La música clásica aparece con personalidad propia en Noruega en el siglo XIX con obras que unían el romanticismo alemán a un lenguaje nacional, dándose gran importancia a la música popular, en especial las danzas. En las últimas décadas sobresalen Johan Severin Svendsen y Edvard Grieg.
Considerado como el gran romántico noruego, Grieg nació en 1843 en un medio favorable a la música y recibió las primeras lecciones de piano de su madre.
La Suite Holberg fue compuesta con motivo de la celebración del bicentenario del nacimiento de Ludvig Halberg escritor, humanista y dramaturgo y destacado representante de la Ilustración en Escandinavia. La Suite se compone de una introducción (Preludium) y un conjunto de danzas. Se trata de uno de los primeros ensayos neoclasicistas con el objeto de volver a la música de la época de Holberg.
La obra está compuesta bajo los lineamientos de una forma del estilo barroco llamada “Suite” palabra de origen frances que significa “sucesión”. Para Hodeir (1988), la suite es “una sucesión de movimientos de danza de muy distinto carácter, pero de idéntica tonalidad y, frecuentemente de igual estructura”. bicentenario del nacimiento del danés-noruego Ludvig Holberg en 1884. Esta suite es un claro ejemplo de una pieza musical del siglo XIX, que hace uso de estilos y formas musicales del siglo anterior. Se puede comparar en este sentido con la Chapelle Sixtina, S.360 (1862) de Franz Liszt. Se compuso originalmente para piano pero un año más tarde fue adaptada para orquesta de cuerda. En la actualidad la versión más conocida es este arreglo del mismo compositor.
Grieg intercala, como era usual en el barroco, movimientos rápidos y lentos para dar mayor contraste.
Esta Suite consta de cinco movimientos:
Praeludium (Allegrovivace)Sar abande (Andante)Gavotte ( Allegretto)Air (Andante religioso)Rigaudon (Allegro con brio).
ÁSTOR PIAZZOLLA (1921-1992):Adiós Nonino.Calambre. Libertango
Piazzolla , músico argentino nacido en Mar del Plata en 1921, es uno de los más conocidos en el exterior como representante de la música argentina. La fuerza y el lirismo de sus obras son apreciadas en el mundo entero, sin discusión, lo que no ha ocurrido a veces en su propio país, donde ha sido , especialmente al principio, combatido o ignorado.
En realidad, la obra de Piazzola fue un constante desafío; este músico revolucionó y modernizó la música de tango desafiando los moldes tradicionales. Posiblemente influyó en ello su cosmopolitismo, ya que, si bien nació en Argentina pasó su niñez en Nueva York y luego vivió alternativamente en su país y en Europa, se radicó en París en los últimos años de su vida y murió en Buenos Aires
Se cuenta que era un perfeccionista y un exquisito en el rendimiento musical. Había sido discípulo de Nadia Boulanger y su sólida formación académica le permitió incursionar y transformar la música ciudadana. Su conocimiento de autores como Ravel, Strawinsky, Bartok, lo orientaron a la renovación del tango, uno de los géneros más tradicionales.
Para el comentarista Julio Palacio, el tango de Piazzola " híbrido, sin lugar a dudas, pero pese a todo es un tango que toca la sensibilidad del habitante porteño de modo no sólo elocuente sino que apela a su inteligencia."
El cellista José Bragato, amigo e integrante del grupo de Piazzola afirma que la vigencia del músico se funda en el valor de haber enriquecido el tango armónica y estructuralmente, que su música es inconfundible. Basta escuchar tres compases para saber que es música de Piazzola...Y eso es genio".
Piazzola fue un artista conven ido de que "el tango es música para escuchar y no para bailar." Dentro de sus composiciones, tiene una serie de piezas que se escuchan a menudo. De ellas se escucharán Adiós Nonino, Calambre y Libertango
Bibliografía: Guía de la Música de cámara dir. Por Tranchefort, Ed. Alianza; Rossini por Roger Alier en Grandes Compositores,Ed.Salvat; Rossini:Sonatas y Oberturas en The classical collection,.Ed.Planeta; Comentario de Julio Palacios. Astor Piazzola, Diario Clarín 28/3/94; Cotarios de Pola Suárez Urtubey